米士特熊的部落格

雖然我不懂攝影，但每次看攝影的書

都覺得同樣是圖像創作，有非常多相似的點

異中求同中總是獲益良多

創作者常常會有要有嘗試多種風格，還是專注在一個領域不斷鑽研的困擾

作者並不贊同專攻一個領域，多方面嘗試除了可以保持創作的新鮮感外

太急著將自己定型也並非好主意

不該是決定風格後才去拍攝，而是實作後才慢慢醞釀出風格

就如同許多名留青史的畫家，他們並沒有把精力花在建立風格上，而是在繪畫生涯之中逐漸演進的

也有人對於攝影有著好相機才能拍出好照片的迷思

對於極簡主義來說，一個簡單的相機與普通的攝影物體就能進行創作

有時候這樣低成本的作品反而很受觀眾青睞

重點是攝影師藉由鏡頭，讓人看到習以為常卻鮮少注意到的細節

在龐大資訊轟炸的現代，類似的東西容易因為跟過去的經驗作比對，很難吸引注意

所以如果能將同樣的東西換個方式成像，如改變比例、角度、打光時

就有可能可以激發新的體驗

印象派大師馬內說：大自然中沒有線條，只有色彩的區塊

這是相當重要且有用的概念

繪畫中也時常有不要用線條去建立構圖

而是用不同的色塊明暗去進行創作

那樣的作品更令人印象深刻

許多教學影片或是文章，都有教一些構圖學

但對作者來說這些法則是在遇到瓶頸時能夠稍微參考的依據

如果每個攝影師都如同公式般的照本宣科

那麼作品往往都是乏味的匠人之作

但如果當下環境最好的構圖，剛好符合某些法則(如三分法)，那仍是可以使用的

不過畫面內如果有類似S型的引導線

將會有效地強調景深與動感，強烈的視覺效果對構圖有顯著的加分效果

作者認為，繪師更擅長將三維風景創作成二維影像

許多攝影師在攝影之前，都曾學過許多年的畫

有趣的是在繪圈也有許多人遇到瓶頸時，就會試圖在攝影之中尋求突破(包括我)

這也證明這兩樣專業中具有相輔相成的效果

平衡

在構圖設計上，這可能是最重要的一環

平衡不代表要對稱，要達到構圖平衡有許多手段：

• 小體積但較搶眼的物體，可以與體積大但較不明顯的物體互相平衡
• 一小片明亮色彩與一大片較淺淡的顏色
• 小而複雜的形體與大而簡單的物體
• 小而凹凸不平的物體與大而平坦的物體
• 小物體置於距離中心較遠的物體與較大的物體

上面所述的物體也有可能是空間或是抽象的正負型

音樂界也有有趣的類比

年紀大的演奏家會開始有減少彈奏音符的傾向

年輕時總會想要炫技，證明自己高人一等的才華與技巧

但隨著年紀的增長，表達想法的念頭就會後來居上

開始捨棄不必要的、裝飾性的部分

只留下創作的精華，攝影也是

音樂家之中

有人需要視譜與理論才能演奏

有些人能憑天生的直覺與音感演奏

大部分的人都介於這兩者之間，並沒有孰優孰劣

但要認清自己是哪一個類型的人，才能找到適合的創作與練習方式

要成為一位好的創作者

多聽聽偉大創作者的想法是很有幫助的

但同時也要有獨立思考的能力，不一定要照單全收

甚至可以否定某些想法

但在否定背後，應該要札實且深思過的理由

才不會因為為了反對而反對，錯過了提升自己的機會

結論

對於不是專精於攝影的我來說

鉅細靡遺的寫下光圈、快門或是工具的書沒有什麼幫助

而這類大多在思考創作的想法的書籍，對我來說擁有更多的啟發

能夠看到在面臨同樣的創作瓶頸時，其他專業是如何思考

說不定會有意想不到的幫助

推薦指數：★ ★ ★